«ВЕСЁЛАЯ ДУША», ИЛИ СЕКРЕТЫ ИТАЛЬЯНСКИХ МАСОК

Елена Фёдорова ("Школьный Вестник" № 12 за 2016 год)

«ВЕСЁЛАЯ ДУША», ИЛИ СЕКРЕТЫ ИТАЛЬЯНСКИХ МАСОК

Имена Арлекина, Пьеро или Коломбины известны всем, но мало кто знает, что эти герои народного театра имеют свои прототипы в персонажах комедии дель арте (комедии масок) — особом театральном жанре, возникшем в Италии во второй половине XVI века, на рубеже Средневековья и эпохи Возрождения.
Комедия дель арте родилась как народный театр. Место её рождения — городская площадь во время шумных карнавальных празднеств, её герои — сами горожане. Не зря представления комедии дель арте всегда шли в одной и той же декорации с видом улицы, выходящей на широкую площадь, с двумя домами по разным сторонам, которые принадлежали героям.
При упоминании о комедии дель арте в первую очередь вспоминаются её маски, и кажется, что они-то и есть её основная особенность. Но вряд ли этот театральный жанр так полюбился бы зрителями, если бы вся его прелесть заключалась исключительно в масках. Маски не были новостью на театральных подмостках, и комедия дель арте не была в их использовании первопроходцем. Они появились ещё в древнегреческом и римском театрах.
Маски народной итальянской комедии совсем не то, что маски античного театра. Там это всегда специальное приспособление, надеваемое на лицо актёра и полностью его скрывавшее. В комедии дель арте маска имеет и это назначение, то есть представляет собой сделанное из картона или папье-маше изображение человеческого лица, и такую маску некоторые актёры постоянно носили во время представления. Женщины, почти без исключения, играли без масок, влюблённые — тоже. Маски были атрибутом комических персонажей, да и то не всех. Иногда маску заменяло густо набелённое лицо, или огромные очки, или приклеенный нос.
Основное значение слова «маска» в комедии дель арте — это образ актёра, в котором воплощается определённый социальный типаж, заострённый до шаржа, с неизменным физическим обликом и чертами характера, со своей «психологией». Это и самонадеянный невежда, и разбитной слуга или проворная служанка, и влюбчивый старик и т. д.
У каждого из этих персонажей был свой постоянный костюм и неизменный набор сценических приёмов — характерных выражений, жестов, поз. Актёр в комедии дель арте играл одну и ту же роль всю жизнь, одного и того же персонажа в разных предлагаемых обстоятельствах. Он мог смолоду выходить на сцену в образе старика Панталоне или до самой старости играть молодого и задорного Бригеллу.
Актёр, выступивший удачно в какой-то маске, затем постоянно появлялся с ней на сцене. Так возникло понятие «амплуа» — тип актёрских ролей. В комедии масок совершенно исключалась возможность, чтобы актёр сегодня играл Панталоне, а завтра Арлекина. То, что в нынешнем театре называется «переход в другое амплуа», — для комедии дель арте вещь невозможная.
Фиксированного и строго соблюдаемого драматического текста в комедии дель арте не было. Были сценарии, которые представляли собой лишь схему основных событий. Листочек с написанным сценарием прикреплялся к стене за кулисами, чтобы актёры могли перед выходом на подмостки справиться, какие события будут происходить в следующей сцене.
Сценарий представлял собой лишь канву основных событий. Отсутствие текстов обусловило ещё одну черту комедии дель арте — импровизацию. Текст актёрам приходилось придумывать на ходу в соответствии с характером и психологическими особенностями той «маски», которая стала их сценическим амплуа. Импровизация — порождение карнавала. В средневековом театре её не существовало. Партнёрство, слаженное взаимодействие актёров на сцене зарождались именно в комедии дель арте. Участие в такого рода спектаклях требовало от актёров большого профессионализма. Комедия дель арте стала первой формой профессионального европейского театра и оказала огромное влияние на Лопе де Вега, Шекспира, Мольера, который даже брал у итальянских комедиантов уроки актёрского мастерства.
В самом названии «комедия дель арте» заложено противопоставление прежним театральным формам, которые были любительскими. La commedia — по-итальянски значит не только комедия в нашем смысле, но и театр вообще, зрелище; arte — искусство, но также и ремесло, профессия. Другими словами, речь идёт о зрелище, разыгрываемом профессионалами.
Полупрофессиональные труппы стали появляться в Италии, особенно в Венеции, уже в начале XVI века. Участвовали в них главным образом ремесленники. Венецианская знать охотно приглашала их на свои домашние торжества, где они исполняли античные комедии, фарсы и музыкальные пантомимы в масках. Большинство членов этих содружеств по окончании «театрального сезона» возвращались к своим привычным профессиям: столярничали, плотничали, тачали сапоги. Впрочем, наиболее талантливые из них делали актёрское ремесло своей основной профессией.
Первое документально зафиксированное представление комедии дель арте профессиональными актёрами состоялось во Флоренции в 1560 году. Примерно в это же время возникла и самая знаменитая в Европе труппа комедии дель арте «Джелози» («Ревностные»). Эта труппа, состоявшая из 12 — 15 человек, собрала блестящую актёрскую плеяду. Её истинным украшением была знаменитая актриса и поэтесса, легендарная красавица Изабелла Андреини.
Актёры труппы комедии дель арте должны были уметь не только импровизировать, но и петь, плясать и даже выполнять акробатические трюки. Дело в том, что представление комедии дель арте было многосоставным действом. Основному сюжету предшествовал пролог, в котором два актёра с трубой и барабаном зазывали зрителей, рекламируя труппу. Затем появлялся актёр, в стихах излагающий суть представления. Затем высыпали все актёры и демонстрировали своё мастерство кто во что горазд: «Вот что мы умеем, а мы умеем всё». После этого актёр и актриса пели и плясали. И только потом начинали разыгрывать сюжет.
Комическим пиком комедии дель арте были буффонные трюки, не имеющие к действию никакого отношения. После завершения сюжета начиналось прощание с публикой, сопровождаемое танцами и песнями. Один из актёров писал тогда, что счастливы мёртвые, лежащие под землей, на которой царит горе и смерть, «но у нас нет сил печалиться нашим печалям, давайте смеяться над ними». Существом комедии дель арте была «l’anima allegre» — «радостная душа».
К моменту деятельности «Джелози» игровой канон комедии дель арте уже сложился. Сформировались в общих чертах и самые популярные маски. У комедии дель арте было два основных центра: Венеция и Неаполь. В соответствии с этим сложились и два основных квартета масок: северный, или венецианский — Панталоне, Арлекин, Бригелла, Доктор — и южный, или неаполитанский — Тарталья, Скарамуччо, Ковьелло, Пульчинелло. В обоих квартетах часто принимали участие Капитан, Фантеска (или Серветта), Влюблённые. Число масок, появившихся на сцене комедии дель арте за два века её существования, превышает сотню. Но все они являлись модификациями основных масок, перечисленных выше.
Маски комедии дель арте можно разделить и на функциональные группы. Первая — сатирические маски (старики). Вторая — комедийная (слуги). Третья — влюбленные.

Старики

Панталоне — богатый и скупой венецианский купец. Раньше, когда Венеция была посредником в торговле между Востоком и Европой, венецианские купцы были величественными и почти героическими фигурами. Они повелевали морями, устанавливали торговые отношения с Византией, прокладывали пути в глубь Азии. С падением Константинополя и открытием путей в Индию по океану Венеция теряет торговое могущество. Венецианские купцы становятся жалкими фигурами, но не желают расставаться с тщетными претензиями на величие, отчего и оказываются предметом осмеяния.
Панталоне это и образ физической дряхлости. Он словно коллекционирует все недуги: хромоту, одышку, старческий маразм. Панталоне не только скуп и самонадеян, он еще и влюбчив и обычно выступает соперником собственного сына. Чтобы доказать своей молодой невесте, что он ещё хоть куда, Панталоне часто пускается в пляс, во время которого его хватает приступ подагры.
При всей своей необычной активности Панталоне — фигура чрезвычайно жалкая и страдательная. Его то и дело обманывают и разоряют. Желание добиться любви поправившейся девушки у него вступает в борьбу со скупостью. Он тратит деньги на подарки и серенады и не замечает, как ловко пользуются этим другие. Вообще никому не достается столько колотушек, как Панталоне, и ни над кем интриги слуг не изощряются так победоносно, как над ним.
Костюм Панталоне сложился из бытового одеяния венецианских купцов: красная куртка, красные узкие панталоны, длинный черный плащ. Исполнитель роли Панталоне носил чёрную маску, нос — крючком, бородку — клинышком.
Другой образ сатирического старика — Доктор. Это редко врач, обычно это доктор прав, юрист из Болонского университета. Почему юрист из Болоньи оказывается вдруг комической маской? Болонский университет был старейшим в Европе. Именно его профессора много сделали для становления европейской юриспруденции. Однако постепенно они превратились в догматиков и зануд.
Самодовольный Доктор постоянно изрекает прописные истины, сыплет латинскими цитатами и сравнивает всё с античностью. При этом в голове у него царит чудовищная путаница. Это классический пример человека, которому всё равно, интересны ли собеседнику его тирады: лишь бы поговорить. Доктор носил черную мантию и шляпу, под мышкой у него свод законов, за ухом перо, на шее чернильница, на лице маска.
В квартете неаполитанских масок типичных комических стариков, в сущности, не было. Этот пробел заполняла маска Тартальи, единственная маска пожилого человека. Тарталья — сатира на испанскую служилую челядь. Это пожилой человек в зелёном, стилизованном под должностной, костюме, огромных очках и с портфелем под мышкой. Тарталья по-итальянски значит заика. Из его уст то и дело вылетают непроизвольные и непристойные каламбуры.
И Панталоне, и Доктор, и Тарталья — это комическая фиксация тех социально-психологических типов, которые пережили свой расцвет и теперь клонятся к упадку.

Слуги

Буффонада в спектаклях комедии дель арте обычно выпадала на долю наиболее популярных и любимых зрителями масок слуг. Слугами часто становились не имевшие никакой профессии крестьяне. В Венеции это, как правило, крестьяне из Бергамо. Венецианцы считали горных бергамцев жуликами, а равнинных — дураками. В соответствии с этим представлением возникло и два типа слуг. Первый — пройдоха и авантюрист, быстро приспосабливающийся к условиям городской жизни и превратившийся в сметливого лакея. Второй — тугодум и недотёпа, вечно попадающий впросак. Они составляли комическое единство, дополняя друг друга. На севере самыми знаменитыми слугами были плут Бригелла и простак Арлекин.
Бригелла — главная пружина интриги. Он прагматик и циник и для достижения своей цели не остановится ни перед чем. Он энергичен и чрезвычайно говорлив. У него есть даже своя философия воровства: украсть — это значит найти прежде, чем потеряли. Бригелла носил белую полотняную крестьянскую одежду с позументом (эмблема его служебного положения), кинжал и кожаный кошель у пояса, а также маску с чёрными усами и торчащей во все стороны бородой.
В противоположность Бригелле Арлекин простодушен и зачастую получает колотушки, но при этом никогда не теряет присутствия духа. Он беден, и его белая блуза вся в разноцветных заплатах, а на шапочке заячья лапка — символ трусости. Но уже в ХVII веке изменился и характер Арлекина, и его костюм. Из незадачливого слуги он превратился в активного и злоязычного интригана, а его бедняцкая одежда с многочисленными заплатами превратилась в трико, состоящее из тесно прилегающих друг к другу правильных разноцветных треугольников. Так получился знакомый всем нам костюм Арлекина. Маска Арлекина намного пережила комедию дель арте. Спустя два столетия он превратится в счастливого соперника Пьеро, фигуры пассивной и страдательной, а точнее говоря, в любовника его жены Коломбины.
На юге самыми популярными слугами стали злобный плут с длинным птичьим носом Ковьелло и приобретший всеевропейскую известность Пульчинелла. Характер этого героя подвергался самым неожиданным трансформациям. Он то глуп, то лукав, то саркастичен. Обычно он слуга, но может оказаться и пастухом, и бандитом. Пульчинелло стоял у истоков английского Панча, французского Полишинеля и русского Петрушки.
Женской параллелью была служанка, носившая самые разнообразные имена: Смеральдина, Франческина, Коломбина (именно это имя и уцелело в новейшей пантомиме наряду с именами Арлекина и Пьеро). За ней обычно ухаживают старики и слуги. Поначалу она простоватая крестьянская девушка, вечно попадающая впросак. В дальнейшем маска трансформируется из деревенской дурёхи в изящную горничную Коломбину, а её крестьянская одежда превращается в элегантный костюм субретки. Именно маска Коломбины дала рождение этому актёрскому амплуа — бойкой, остроумной, находчивой служанки, помогающей господам в их любовных интригах.

Влюблённые

Влюблённые были наиболее близки к героям литературной драмы. Их играли только молодые актеры и актрисы. Роль первого любовника нередко исполнял директор труппы, он же автор сценариев. В отличие от слуг и сатирических стариков влюблённые не носили масок, модно и роскошно одевались, владели тосканским диалектом (на нем писал свои сонеты Петрарка) и изысканной пластикой. Именно они стали первыми отказываться от импровизаций и записывать в книжечки текст своих ролей. Их выспренние речи можно отнести скорее не к литературе, а литературщине. Если в труппе было две пары влюбленных, то они делились так же, как и слуги, на энергичных, изобретательных, остроумных, и робких, нежных и чувствительных.
Следует сказать, что, несмотря на поэтичность, лиричность и изящество манер, актеры, исполнявшие роли влюблённых, почти всегда сохраняли по отношению к своим персонажам ироническую дистанцию. В самой их чрезмерной, почти гротескной утончённости чувствовалась смеховая стихия комедии дель арте.
Два старика, две пары влюблённых, ещё старики в качестве женихов или адвокатов, врачей и прочих, пара влюблённых слуг исчерпывали весь необходимый состав масок для спектакля комедии дель арте.
Но время, когда расцветала комедия дель арте, было гораздо богаче типами, представляющими комический материал, чем об этом можно судить по галерее масок. Почему на сцене комедии дель арте мы не видим ни священника, ни монаха, ни дворянина? Объяснение очень простое. Литература и театр попали под цензуру. Создать маски монаха или дворянина было уже нельзя. А когда они появлялись, от них скоро приходилось отказываться — за этим зорко следили судебные и полицейские стражники неаполитанского вице-короля или венецианского дожа, а ещё больше — агенты инквизиции. Переезд итальянских трупп во Францию помогал очень мало, потому что там тоже была и королевская полиция, и инквизиция католической церкви. Приходилось ограничивать круг объектов сатиры.
Материальными памятниками двухвекового пути комедии дель арте остались её сценарии. Не все они обнаружены, и совсем немногие из них напечатаны. Огромное количество сценариев имеется в рукописном виде в собраниях больших итальянских библиотек. Первый печатный сборник сценариев был выпущен в 1611 году актером Фламинио Скала, который был руководителем лучшей из тогдашних трупп комедии дель арте — «Джелози». Множество сборников существовало в рукописном виде. Интересно отметить сборник комедий и интермедий, представленных при дворе Анны Иоанновны во время гастролей итальянской труппы в России. Всего количество известных нам сценариев доходит примерно до тысячи.
Источником сюжетов сценариев первоначально были «учёная комедия» (учёной её называют потому, что авторами этих пьес были образованные учёные люди) и остросюжетная итальянская новеллистика, особенно «Декамерон» Джованни Боккаччо.
Позднее, по мере того как актеры начали гастролировать в разных странах, они стали использовать европейскую драматургию. Особенной популярностью у них пользовалась богатая сюжетами испанская комедия. Так многие сюжеты мировой драматургии попали на подмостки через сценарии комедии дель арте. Однако связь бывала и обратной. Так, после того, как итальянцы использовали для сценария комедию испанского драматурга Тирсо де Молина «Севильский озорник», этот сценарий послужил сюжетной основой комедии Мольера «Дон Жуан».
Народная комедия масок с её раскованностью, свободой и весёлым бесстрашием оказала влияние на театральное искусство не только в Италии, но и во всей Европе. Что же касается итальянского театра, то и сегодня в нём сохранилась та «весёлая душа», которая сделала маску живой и была сутью комедии дель арте.